西方的造型艺术的规则,一开始都是来源于大自然的。这些规则后来逐渐脱离自然变得概念化了,就形成了一种知识,一种关于“如何画”的知识。从此艺术家的工作变得更多地遵循这些知识而不是自然,这导致了图式的形成。检查图式并检验它的有效性从来奥纳尔多时代以来,每一个伟大的艺术家都有意识地或无意识地做了同样的事情。而以后历代的艺术改良者们只有超越这一体系,通过仔细观察的写生方式才能使自己更加接近于自然的真实。美术家用观看来开始创造,观看本身就是一种创造性的行为,需要某种努力。而我们在日常生活里涉及的每一事物,或多或少被已经养成的习惯歪曲了,这种情况,在我们这个世纪或许会更加明显,电影广告和杂志每天向我们提供了大量供眼睛看的现成的形象,它们的作用就如同偏见对心灵的作用一样。希望能够不带偏见地观看事物的这种努力,需要勇气这类东西,这种勇气对于要像头一次看东西时那样看每一事物的美术家来说是根本的。可是图式无论如何都会起作用,完全的不带成见地看世界,只是儿童的特权。正是因为走向另一极端,我们这个时代“变化”观念取代了永恒之美,掩盖了以理念优先于艺术、艺术将追随理念的古老的等级秩序。现在随之而来的是“变化”理念导致了低劣复制品的持续增加,而这种低劣的艺术复制品经过媒体的传播,已经逐渐败坏了人对作品的凝视,削弱了人的辨别力。我们不应忘记,瞬间的连续性构成了生命与事物的表面存在,并不断地对它们进行装饰和变化,在这种瞬间的连续性下面,存在着生命的更为真实、更为本质的特征,而自古以来,伟大的艺术家都励志要捕捉到这种特征,从而对现实做出更永恒的解释。在写生与图式,瞬间与永恒之间,急迫的需要我们做出选择。我想,既然速度引领潮流,图像成为时尚,我们何不冒英雄之名干点英雄之事,尝试用表现本质特征的方式去获得更大的永恒性,哪怕牺牲掉某些迷人的东西呢?