本文从宋代院体花鸟画的发展情况和主要画院作品入手,探讨了宋代院体画的特点及其对当代工笔花鸟画的影响和意义,作为比文人画更早期的传统正宗画派,虽然离当代远去,但其仍然有一些闪光的品质不会过时。文章一共分为六章,自中国画逐渐分科以来,花鸟画独自经历了萌芽、成熟到升华这一漫长的过程。到了两宋时期,工笔形态的花鸟画发展到了一个空前繁荣的全盛时代。在应物象形、意境营造、笔墨技巧等方面都臻于完美。北宋前期的花鸟画主要继承五代传统,皇家画院和画学的兴办,以院体花鸟画为主导,突出的代表是“徐黄体异”的徐熙和黄筝。而黄体“钩勒填彩,旨趣浓艳”的富贵风格更为宫廷画院大加提倡。之后画家赵昌、崔白等人对“黄体”进行了变革,将宫廷花鸟画提高到了一个新的水平。北宋后期,在宋徽宗赵佶的大力倡导下,院体花鸟画在画院内达到宋画水平的最高峰。此风绵延至南宋宫廷,花鸟画创作长盛不衰,可谓是花团锦簇,满庭芳华。受当时“理”学思想中“格物致知”论作用,院体画体现出一种对现实客观的审视和关怀精神,这种对于写实的近乎苛刻的追求,在今天依然有关注与表达现实的意义。其实中国画一直在追求写实。从晋、唐至宋代以来,绘画的目的始终是努力真实地再现事物的外部特征与内在本质,并且在这种追求中逐步趋于成熟。画家倾注现实的关怀永远都会不过时。在写实的西洋画的冲击下,我们也在对传统的“写实”作更深层次的反思。例如“中国写实画派”,坚持从传统中挖掘深意,立足根源以固本。这一时期,还出现了借物寓意“诗化”现象,与诗歌、书法相结合表达主观思想,将意境引入花鸟画的题材之中。宋代院体花鸟在笔墨技巧上到达成熟的高度,令后人难以逾越。如黄氏的院体工笔形态,徐崇嗣的院体没骨画风,甚至于宋徽宗赵佶对于工笔和水墨两种形态的很好的融合。它对于当代笔墨的影响是深远的。对于笔墨的思考和创新至今还在延续。宋代由于年代久远,流传下来的绘画真品少之又少,因此每一幅真品都弥足珍贵。大量作品在博物馆珍藏不轻易展出,加上部分作品流传海外,使得研究这一领域的工作变得异常困难。本文以宋代宫廷画家作品图片和相关古代画论为依据,通过总结其特点和精髓,并努力探寻当代处于“全球化”范围中的这一传统绘画方向。寻求在外来画种和传统经典的双重作用下,当代中国工笔花鸟画在观念和技巧上发展的新思路。