20世纪是西方艺术风起云涌的时代，在这个时代中艺术变得异常热闹喧嚣，艺术家们创建和发起了一百多个流派和运动，平均每年都有一两个新艺术流派宣告诞生。这么多的风格流派令人目不暇接，不仅“主义”、“流派”的名头一个比一个响亮，而且视觉上的冲击力也越来越强，同时其自诩的精神内涵也愈加神秘莫测。在西方这场艺术盛宴到了世纪末似乎有些消沉，但在我国却如火如荼地发展起来了，几乎效仿了各种风格流派。在这种热潮中，我们应该如何看待西方现代艺术成为大家热议的话题，有人认为这才是世界艺术的潮流，是艺术发展的趋势，应该开放的学习；也有人认为所谓现代艺术只不过是“皇帝的新装”，自欺欺人罢了。这两种说法都有失偏颇，笔者认为20世纪艺术是对于几千年来形象艺术的拆解与还原，是艺术发展必然的结果，但不是唯一的结果。
　　形象艺术与抽象艺术相对，是指西方几千年来以描绘真实形象为目的的艺术体系，在古希腊时期形象艺术达到第一次高峰，到了古罗马时期形象艺术虽然写实，但有些拘谨。中世纪过后，形象艺术再次达到高峰，从文艺复兴开始，人们探索出了一系列在画面上真实再现事物的方法，如再现场景空间的方法——透视法，再现事物形体的方法——结构法，再现事物色彩的方法——色调法等。这些方法构筑了一个形象艺术的完整体系，这个体系犹如一个庞大的建筑，它的一砖一石、一瓦一木，都是由无数个艺术家共同搭建起来的，凝结了无数人的心血与智慧。19世纪后期印象主义的出现宣告了这个系统开始衰落和终结，严格地说印象主义仍然是形象艺术范畴之内，但从它开始，人们将色彩从形象艺术中抽离出来，单独的研究和发展，形成自己的一套系统。从此以后人们陆续从形象系统中抽出了各种艺术元素，并且扩大完善，如：塞尚抽取了画面构成元素，高更抽取了画面的精神元素，梵高抽取了画面的表现元素，毕加索抽取了画面的空间元素等。这个过程就像是一次拆迁工程，印象主义是第一个在形象艺术这座古老的建筑上写下一个“拆”字，此后各种流派蜂拥而至，拆砖揭瓦，把各自所取到的材料视为至宝，精心研究整理、创造加工，作为自己“发明”的风格特征展现在观众面前。
　　20世纪这次艺术变革并非偶然，早在1839年照相机发明时，形象艺术的记录功能就已经逐渐被取代了，到了1895年电影诞生时，形象艺术中的叙事功能也逐渐被取代，到了20世纪以后随着科技的快速发展，这两种设备技术更加便捷和完善，从实用功能上来说已经可以完全替代绘画的方式，形象艺术的一部分宣传功能已经丧失了过去的地位。与此同时人文思想也推波助澜，康德所谓“哲学上的哥白尼式转变”，他认为：“不是事物在影响人，而是人在影响事物。我们在认识事物的过程中，人比事物本身更重要。我们不可能认识到事物的真性，我们认识到的仅仅是事物表象。”这一论点让客观的形象艺术开始变得不确定，真实与虚幻、客观与主观的位置开始转换，艺术开始关注自我，由再现转向表现，因此形象艺术开始逐渐衰落是历史必然。在大背景下，各路艺术家开始寻找新的突破，开始发起了艺术界的一次次革命。那么既然是革命就需推翻和破坏，既要推翻旧的绘画规则，又要破坏人们的传统审美习惯。因此首先是拆毁几千年来形成的形象艺术系统，但这种拆毁的方式是各取所需，把各种元素抽取出来，脱开原有的关联，还原成元素本身，并以此形成独立的审美系统。人们用这种拆解的方式，轰轰烈烈的拆了几十年，最后这座形象艺术的庞大建筑，只剩下一片废墟，拆到无物可拆时，终于有艺术家站了出来宣布艺术死亡了。这个结论从某种意义上说是正确的，因为这座建筑既没有墙也没有窗，没有一个可以按照原有的系统辨别的东西了，但从另一个意义上说艺术仍然存在，只是还原成了零件，而且艺术从此没有边界，任何事物都可算成艺术，艺术的范围大到无极限。
　　原有的形象艺术系统与这20世纪的现代艺术系统大为不同，形象艺术是立体的、完整的、系统的，而20世纪艺术是平面的、分散的、孤立的。这里所说的立体与平面，并非指绘画方法，而是艺术高度与标准。形象艺术有明确的优劣之分，有时虽然也难免有争议，但整体可按金字塔式排列等级，因此可以说是立体的。然而20世纪很多流派都难分高下，虽然写这些流派的著作很多，但大都是陈述事实，很少有人能明确说出孰优孰劣的评判标准，偶尔有些评语多是以创新与守旧来划分界限，或是引向意识与哲学的模糊境界。因此从整体来看，现代艺术仍然无法建立金字塔式的等级，对艺术的评价往往都是个体的感觉，由共性变为个性，这使学习现代艺术的学生愈加迷茫，可以无所不为，但又无踪可循。笔者认为20世纪艺术真正的价值，并非所发明创造的一个个新概念和新名词，而是其还原精神和革命精神，它反思了形象艺术的美感本质，试图从拆解元素开始，把线条、色彩、材质、构成、思想、情绪、偶发等元素还原成美感本身，从结果上看，也确实丰富和完善了美感的表达方式。另外这种革命精神鼓舞了人们推翻一个又一个艺术权威，一次又一次的冲击人们的视觉神经和审美习惯，这种流派更迭的速度在艺术史上极为少见。这两种精神推动了艺术的加速发展，是20世纪艺术的原动力，所以这才是人们应该学习的东西。
　　当然，人们在运用这两种精神的时候也出现了一些问题，比如，革命精神的滥用，革命是艺术发展的动力，但20世纪艺术发展到最后，人们仿佛为了革命而革命，革命几乎成了艺术的代名词，似乎要不反对点什么就不能称之为艺术。而要想做出革命的姿态，除了发表宣言以外，就要挑战观众的审美习惯，因为以往的成功案例表明，凡是当时被观众反对的或与观众审美不相符的作品，最终都成为了名垂青史的作品。于是具有强烈视觉刺激的作品陆续登场，有的血腥、有的色情、有的作呕等，确实可以用视觉震撼来形容。但这些作品还原的只是形象艺术中的情绪，而不是情感。情绪是心理表层的快速反应，与生理反应相伴，而情感是内心深处的积淀，与思想活动相伴。所以当观众看到刺激的作品之时，无论是否正确的理解其内涵，情绪都会有第一反应，以至于人们会误以为艺术的效果已然达到，革命已然成功了。因此，千奇百怪的艺术让人心惊肉跳、眼花缭乱，充分调动了人们的情绪。可是，艺术家们会渐渐发现观众已经对刺激失去了原有的强烈反应，这是因为人们的情绪反复受到同一种刺激后往往变得麻木，因此观众似乎习惯了艺术的革命与刺激，正所谓视觉疲劳，再也没有新奇感了。同时如上所述，20世纪现代艺术已经彻底拆毁了旧的系统，使艺术的范围变得无限大，因此连寻找对手机会都没有了，没有革命对象，又何来革命，革命精神也变成了一种噱头。
　　综上所述，20世纪的艺术是一个微妙的过渡时期，此期间虽然有大量的风格流派产生，但这只能算作序幕，只是打破了原有的陈规旧率，还原了艺术的各种元素，并发挥了其最大功能，因此20世纪艺术并非我们想象的那么高深莫测，也没有创造出许多全新的艺术，它只是为21世纪艺术做好铺垫，让我们拭目以待，愿新的艺术体系早日来临。
　　[张文鹏，天津现代职业技术学院]
　　[郭早早，南开大学滨海学院]