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摘 要：民族声乐艺术发展至今天，既要彰显民族特色，又要符合时代特性，如何继承与发展，是笔者在演唱和教学中一直所思考的问题。传统的歌唱艺术中有许多合理的、科学的知识，再结合笔者在创作、演唱、教学三位一体新模式构建研究的经验，探究当下中国民族声乐艺术的继承与发展。
关键词：民族声乐 科学观 继承 创新 古诗词
自新中国成立特别是改革開放之后，我国的民族声乐艺术一直在摸索中前行，在中西方文化巨大交流碰撞的洪流之中执着地探索着自己的文化定位，这种探索更是对本民族文化之根的追寻和对本民族音乐文化之魂的触碰。
随着时代的进步和发展，通过众多前辈和中青年声乐艺术工作者的不断努力，逐渐形成了现在的中国声乐学派，我以为这种学派即民族声乐艺术科学性发展的必然产物。民族声乐演唱不仅要继承传统戏曲、曲艺演唱精华，同时也要借鉴西方美声唱法的科学发声，还要吸收地方民歌的演唱方式，来不断丰富自身艺术表现力，形成符合中国国情，适应本民族审美情趣，能表现出中华民族文化独特魅力的声乐学派。
一、继承传统，使当下民族声乐艺术的发展有根可寻。
声乐艺术是人类最为古老的艺术门类之一，伴随着人类的发展而发展。每个民族的声乐艺术都不是一蹴而就的，要经历漫长的发展历程，经历无数的发展阶段才形成了今天的声乐文化。而今我们的民族声乐艺术，正是包含着一代又一代艺术家们的个人审美意识和艺术创造，并且被社会大众广泛接受和喜爱的，因此声乐艺术本身就具有继承性。
在广泛继承中国古诗词吟诵、琴曲、戏曲、民歌等传统唱法和风格的基础上，努力追求和创造独具特色的演唱艺术，这种继承性是无休止的，其中包含了声乐观念、文化习俗、审美意识以及声乐艺术内在的技术、表演形式等各方面所发生的一代又一代的相互影响和传承。
1. 从古曲中发现语言美并不断提炼它的意境美和文化美
以民族语言为基础，融字腔与声情为一体，注重咬字与吐字，才能将歌曲的蕴含与妙趣展现给听众。民族声乐演唱，最基础也是最为重要的就是咬字与吐字的高度准确与清晰，这是民族声乐艺术的基本审美原则。在平时的训练和实践中，要不断加强字头咬清，字音吐准，归韵适当，以表达文字的意境美。著名男高音歌唱家，中国古诗词歌曲演唱第一人姜嘉锵先生的演唱就极好地体现了这一点，他在广泛吸收和继承中国传统艺术基础上，借鉴欧洲发声方法，创造了独具特色并具有很深文化底蕴的古诗词歌曲演唱艺术，得到业内外一致认可。中国古诗词作品是音乐与文学的最高结合，姜先生通过几十年的努力和不断实践，通过对古诗词作品的挖掘和演唱，为中国声乐学派的建立起到了举足轻重的作用。在笔者去姜先生家中拜师学艺时，当演唱《关雎》这首作品时，姜先生说道;“一个有修养的歌者在演唱时，除了气息控制自如以外，更重要的是咬字位置的统一和连贯性。”中国语言特有的美如果充分运用到演唱中，不仅能够塑造空灵和静谧的意境，更能表达出中华民族特有的文化魅力。《枫桥夜泊》是一首非常经典的以西洋乐器钢琴为中国古诗词伴奏的作品。在演唱前，要深入了解唐代诗人张继写诗时的情景，对作品的文化背景要有深刻地理解，该曲虽然创造手法为现代，注意民族风格的体现，演唱时，声腔的运用，悠远的余韵以及汉语语言的装饰及内在的律动，准确表达出那种哀怨和悲凉的情感内涵。
2. 借鉴京剧发展民族声乐
在我国民族民间的戏曲、曲艺里，有着丰富的宝藏，取之不尽。京剧是中国戏曲大家族中成就最高、最具代表性的剧种之一，不仅因其唱腔发声方法科学，在艺术表现方面，有太多值得民族声乐艺术借鉴，丰满自己的表现力，更值得一提的是，京剧非常注重混声的运用，如：“小声哼，大声调，大小嗓转变不留痕”等，是民族声乐艺术需要不断挖掘和吸收的发声技术。事实上，现代民族声乐普遍强调的真假声结合即京剧唱腔里的大小嗓过渡自然。京剧艺术中讲究“以字带情”“依字行腔”，目的是达到“以情引声”的艺术境界，虽重技巧，但反对卖弄技巧，一切技巧都是为表达“情”服务，深入理解曲情，以情感真谛来激发演唱技巧，这才为京剧演唱的核心，也是民族声乐艺术的不二法则。另京剧在长期发展过程中形成了独具特色唱腔加以美化、装饰、润色的技法，体现了中华民族对声乐审美的追求，民族声乐更应借鉴京剧唱腔中的各种润腔技巧，使之演唱形象化、情感化，不仅能变“死音”为“活曲”，更能体现演唱者的艺术修养。
例如在《我的中华》中，使用了大量的连腔去表现壮丽山河与华夏文明;在《梨花颂》中用了断腔和颤音表现儿女情长，间或用一些拖腔展现京韵京味;在《梦北京》中，完全使用了京剧唱腔塑造民歌，歌曲开篇“云海迢迢月儿明，几回甜甜梦北京”直接开启了京剧唱腔和当代民族唱法的融合之路。
现如今学习声乐的学生普遍存在口中有曲而心中无曲的现象，以为只要获得好的声音技巧就可成功，其实我个人以为，声音再好也只是歌唱艺术的第一层，偏差的审美追求和观念导致越来越多的学习者沦为发声的机器，不能够表达出作品的文化背景和情感内涵，而京剧中的唱、念、做、打以及咬字、行腔等技法都是结合 “曲情”来表现，尤其值得民族声乐演唱者借鉴和研究。
3.民间歌曲的文化定义
我们学习民族声乐艺术必须不断挖掘和研究民间歌曲，对各地民歌的文化背景有深入了解。研究其文化背景就是了解其特有的风情，学习语言、了解生活、对地貌因素等都有认知和感受，才能用恰当的声音色彩来表现。值得一提的是，民歌来源于民间，但在某种程度上，我们有可能做到既在传承过程中唱的地道，又在发展过程中比原生态歌手唱的更动听，语言的造型、声音色彩的变化、科学地发声等都是促成这些可能的因素。
民间歌曲里蕴含了丰富的语言造型，要从语气、装饰音、润腔等各方面下功夫，不断丰富歌唱表现力。例如王洛宾先生改编的具有浓郁哈萨克族民歌风格的作品《在那遥远的地方》，这首作品旋律上多次反复，演唱时要特别注意语言的表现、韵味及四声的装饰。演唱前更要了解作品所表达的爱情观，分析背景、内容，根据作品的性格基调对作品做细致布局，不断加深演唱时的人物感，唱出自己的风格和特色。 二、好的声乐作品将会引领民族声乐艺术的发展。
作为音乐学院青年教师，我深知在继承优秀传统文化的基础之上不断发展的重要性，声乐演唱方法在时代的进步中不断改进和完善，就要求要不断有新作品的出现来满足听众的需求和演唱者的追求。作为演唱者，我也一直在摸索中前行，创编声乐作品、地方民歌和古诗词作品，在创作过程中收获了不少的对于声乐艺术新的认知。
随着经济的发展，市场化将会对声乐艺术有着强大的冲击力，艺术性不再成为声乐艺术的主要标准，因此在这个发展过程中，如何守住艺术本身的标准，如何将中国传统文化精神赋予新时代声乐作品中并让大家接受和喜爱，是我们需要面临和思考的一个问题。通过对不同风格声乐作品的挖掘、整理、创作和编配等一系列环节，我更加深入地走进歌曲当中，对于作品决定唱法这一学术观点有着更多的思考。
1. 以近期创作的新艺术歌曲《望江阁》为例
首先，我以为对艺术歌曲的定义要满足几个基本标准，歌词具有文学价值、旋律优美并能和歌词融为一体，带钢琴伴奏的独唱曲。那么对于“新”的定义，我个人认为是旋律要符合当代听众的审美情趣，能让其产生强烈的心灵共鸣。《望江阁》这首作品的创作就在基于以上几点原则，该作品一经演唱得到了业内外声乐从业者和爱好者的喜爱，并在浙江省文化厅音舞节上获得优秀作品奖。该作品创作灵感有很多来源于对传统音乐的感悟，并在音乐和钢琴伴奏上融合现代创作技法完成，演唱时不仅要“守旧”，更要“创新”。
唱好一首新作品之前，应该充分了解该作品的文化背景和艺术风格，只有做到了心中有曲，口中有数，才可把握好分寸，充分表现出作品的艺术性。 首先《望江阁》这首作品追求唯美的、空灵的意境美，它既有山川河流涵容万物的旷世情怀，又有人间草木四季更迭的一世轮转。从情感上看，《望江阁》它是纯净的、向上的，它饱含着对至纯至真爱情的守望，又隐匿着恋人相爱难见的淡淡忧伤。从题目看，《望江阁》其实是望江“隔”的谐音，例如第一句“凡心落、琴弦拨”，来源于作者对仙侠小说《诛仙》张小凡、碧瑶之间凄美爱情故事的感悟，也是对诗词“一曲离思凡心落，青衣飘渺碧瑶吟”的化用。“情不知所起，而一往情深”，所以开篇就已定下了整首词的基调。接下来再看第二句“山间有酒对月酌”，这一句则是作者对李白“举杯邀明月，对影成三人”情感的转移和叠加。然而自古从来都是“举杯消愁愁更愁”，所以作者便心生感慨“一颗种子经过春的播种、夏的孕育，秋天就可以结果，而万里的河山，谁又能再来挥毫泼墨为此着色，陪我看这一世的繁华、一世的人生？”望着一江水，作者想起了最善写愁的是李煜，想起了他的那句千古名句“问君能有几多愁？恰似一江春水向东流。”作者的思念随着时空转移，仿佛在沧海桑田的变化中凝固了这一江水。一念起，望见春来江水开，一念灭，又望见冬至江水合。江水的一开一合，正好是一个春秋冬夏的循环往复，可让作者感到无助的是，如此循环往复的经年，依然见不到心中的挚爱，所以顺理成章就有了“四季轮回佳人何处为我歌、花开十里最怕离别人寂寞”的思念和哀伤，和心怀执念对“焚香煮茶流年爱字写承诺”的向往。因此在演唱这首作品时，既要像古诗词作品演唱一样，讲究声音规格和韵律，更要大胆借鉴和创新，唱出独立个性。通过对作品横向和纵向的不断研究和考量，才可将作品的情感内涵和韵味准确表达出来。例如第一句的“凡心落、琴弦拨”，“落”字和“拨”字都为动词，演唱时咬字和吐字要清晰并有极强的声音造型感，但同时两个字的音又有所不同，唱出来给人的感受是有微妙变化的。古诗词演唱所强调的“十三辙”在这里也有所体现，这样演唱字不会跑偏，音色也更丰富。另外依我个人所见，个别字可以结合气声来表现，抓住现在听众所喜欢的演唱方法基因，因为无论何种唱法必有相通之处，此作品很多地方不需要声音唱的亮、唱的满，反而更需要虚实相融，靠气息控制的弱声甚至是虚声有时更具感染力。在演唱时要大胆尝试，用一切可以表现的手段来丰富你的声音表现力，将作品的情感内涵和文化背景表达的恰到好处。
2. 以编配的古诗词作品《关雎》为例
《关雎》是我国最早的诗歌集《诗经》中的第一篇，首先对作品的定位要在“古代”、“情歌”、“中国”。该作品由张乃诚曲，由我编配钢琴伴奏，在编配过程中我会反复聆听姜嘉锵先生的演唱，并对照简谱反复研究，因为古诗词作品在钢琴伴奏的编配上更加讲究音乐的结构和意境美。例如第一句“关关雎鸠，在河之洲”，演唱时除声音要有稳定的支点和头腔共鸣的保持以外，更重要的是语言的造型和声音色彩的融合，如“河”字为上声，因此演唱时要有特殊处理。该作品的演唱与《望江阁》就有着很大的区别，无论在作品的风格、情感基调、意境、文化涵义等各方面都有很大不同，因此演唱时的声音状态是截然不同的。再之要演唱这首《关雎》时还要借鉴戏曲中小生的一些动作和律动，使音乐表现蕴含着古代的特殊韵味，收放、沉浮、错落有序，平曲相间、情趣横生，使歌曲演唱有声有色。
值得一提的是古诗词作品的演唱最为注重每一个字的音节高低变化，而且在钢琴伴奏部分注重对旋律的衬托和整首作品结构的把握，但即使这样，还是需要演唱时不断推敲，只有在充分了解作品的真正文化背景，体会到古人的心境和含蓄之后，才可在表现时融入自己的情感，来使作品不断升华，让现代人通过你的演唱既有穿越千年之感，又有“懂得”后的情感和精神共鸣。
一个民族有自己的审美追求，中国歌曲应是表达本民族特有文化和情感的载体，近些年，民族声乐借鉴了西洋很多科學发声技法，使之演唱更具规范性和科学性，在追求民族声乐艺术科学性的基础之上，更应该把中华民族的艺术特点、对美的追求体现出来，用科学的发声方法来表现我们自己的文化特征。作品决定了唱法，通过不断创作的优秀新作品来推动和丰富民族声乐艺术随时代一直前行，在民族声乐艺术的追求中做一个真、善、美的歌者，我想这也是民族声乐艺术科学性下的最高艺术追求。
参考文献：
[1]姜嘉锵歌唱艺术.中国唱片（深圳）有限公司，2017.
[2]解本康. 解本康创作声乐作品集[M].安徽文艺出版社，2017.
[3]当代中国民族声乐文化学导论[M].中国时代经济出版社，2013.11.
关键词：民族声乐 科学观 继承 创新 古诗词
自新中国成立特别是改革開放之后，我国的民族声乐艺术一直在摸索中前行，在中西方文化巨大交流碰撞的洪流之中执着地探索着自己的文化定位，这种探索更是对本民族文化之根的追寻和对本民族音乐文化之魂的触碰。
随着时代的进步和发展，通过众多前辈和中青年声乐艺术工作者的不断努力，逐渐形成了现在的中国声乐学派，我以为这种学派即民族声乐艺术科学性发展的必然产物。民族声乐演唱不仅要继承传统戏曲、曲艺演唱精华，同时也要借鉴西方美声唱法的科学发声，还要吸收地方民歌的演唱方式，来不断丰富自身艺术表现力，形成符合中国国情，适应本民族审美情趣，能表现出中华民族文化独特魅力的声乐学派。
一、继承传统，使当下民族声乐艺术的发展有根可寻。
声乐艺术是人类最为古老的艺术门类之一，伴随着人类的发展而发展。每个民族的声乐艺术都不是一蹴而就的，要经历漫长的发展历程，经历无数的发展阶段才形成了今天的声乐文化。而今我们的民族声乐艺术，正是包含着一代又一代艺术家们的个人审美意识和艺术创造，并且被社会大众广泛接受和喜爱的，因此声乐艺术本身就具有继承性。
在广泛继承中国古诗词吟诵、琴曲、戏曲、民歌等传统唱法和风格的基础上，努力追求和创造独具特色的演唱艺术，这种继承性是无休止的，其中包含了声乐观念、文化习俗、审美意识以及声乐艺术内在的技术、表演形式等各方面所发生的一代又一代的相互影响和传承。
1. 从古曲中发现语言美并不断提炼它的意境美和文化美
以民族语言为基础，融字腔与声情为一体，注重咬字与吐字，才能将歌曲的蕴含与妙趣展现给听众。民族声乐演唱，最基础也是最为重要的就是咬字与吐字的高度准确与清晰，这是民族声乐艺术的基本审美原则。在平时的训练和实践中，要不断加强字头咬清，字音吐准，归韵适当，以表达文字的意境美。著名男高音歌唱家，中国古诗词歌曲演唱第一人姜嘉锵先生的演唱就极好地体现了这一点，他在广泛吸收和继承中国传统艺术基础上，借鉴欧洲发声方法，创造了独具特色并具有很深文化底蕴的古诗词歌曲演唱艺术，得到业内外一致认可。中国古诗词作品是音乐与文学的最高结合，姜先生通过几十年的努力和不断实践，通过对古诗词作品的挖掘和演唱，为中国声乐学派的建立起到了举足轻重的作用。在笔者去姜先生家中拜师学艺时，当演唱《关雎》这首作品时，姜先生说道;“一个有修养的歌者在演唱时，除了气息控制自如以外，更重要的是咬字位置的统一和连贯性。”中国语言特有的美如果充分运用到演唱中，不仅能够塑造空灵和静谧的意境，更能表达出中华民族特有的文化魅力。《枫桥夜泊》是一首非常经典的以西洋乐器钢琴为中国古诗词伴奏的作品。在演唱前，要深入了解唐代诗人张继写诗时的情景，对作品的文化背景要有深刻地理解，该曲虽然创造手法为现代，注意民族风格的体现，演唱时，声腔的运用，悠远的余韵以及汉语语言的装饰及内在的律动，准确表达出那种哀怨和悲凉的情感内涵。
2. 借鉴京剧发展民族声乐
在我国民族民间的戏曲、曲艺里，有着丰富的宝藏，取之不尽。京剧是中国戏曲大家族中成就最高、最具代表性的剧种之一，不仅因其唱腔发声方法科学，在艺术表现方面，有太多值得民族声乐艺术借鉴，丰满自己的表现力，更值得一提的是，京剧非常注重混声的运用，如：“小声哼，大声调，大小嗓转变不留痕”等，是民族声乐艺术需要不断挖掘和吸收的发声技术。事实上，现代民族声乐普遍强调的真假声结合即京剧唱腔里的大小嗓过渡自然。京剧艺术中讲究“以字带情”“依字行腔”，目的是达到“以情引声”的艺术境界，虽重技巧，但反对卖弄技巧，一切技巧都是为表达“情”服务，深入理解曲情，以情感真谛来激发演唱技巧，这才为京剧演唱的核心，也是民族声乐艺术的不二法则。另京剧在长期发展过程中形成了独具特色唱腔加以美化、装饰、润色的技法，体现了中华民族对声乐审美的追求，民族声乐更应借鉴京剧唱腔中的各种润腔技巧，使之演唱形象化、情感化，不仅能变“死音”为“活曲”，更能体现演唱者的艺术修养。
例如在《我的中华》中，使用了大量的连腔去表现壮丽山河与华夏文明;在《梨花颂》中用了断腔和颤音表现儿女情长，间或用一些拖腔展现京韵京味;在《梦北京》中，完全使用了京剧唱腔塑造民歌，歌曲开篇“云海迢迢月儿明，几回甜甜梦北京”直接开启了京剧唱腔和当代民族唱法的融合之路。
现如今学习声乐的学生普遍存在口中有曲而心中无曲的现象，以为只要获得好的声音技巧就可成功，其实我个人以为，声音再好也只是歌唱艺术的第一层，偏差的审美追求和观念导致越来越多的学习者沦为发声的机器，不能够表达出作品的文化背景和情感内涵，而京剧中的唱、念、做、打以及咬字、行腔等技法都是结合 “曲情”来表现，尤其值得民族声乐演唱者借鉴和研究。
3.民间歌曲的文化定义
我们学习民族声乐艺术必须不断挖掘和研究民间歌曲，对各地民歌的文化背景有深入了解。研究其文化背景就是了解其特有的风情，学习语言、了解生活、对地貌因素等都有认知和感受，才能用恰当的声音色彩来表现。值得一提的是，民歌来源于民间，但在某种程度上，我们有可能做到既在传承过程中唱的地道，又在发展过程中比原生态歌手唱的更动听，语言的造型、声音色彩的变化、科学地发声等都是促成这些可能的因素。
民间歌曲里蕴含了丰富的语言造型，要从语气、装饰音、润腔等各方面下功夫，不断丰富歌唱表现力。例如王洛宾先生改编的具有浓郁哈萨克族民歌风格的作品《在那遥远的地方》，这首作品旋律上多次反复，演唱时要特别注意语言的表现、韵味及四声的装饰。演唱前更要了解作品所表达的爱情观，分析背景、内容，根据作品的性格基调对作品做细致布局，不断加深演唱时的人物感，唱出自己的风格和特色。 二、好的声乐作品将会引领民族声乐艺术的发展。
作为音乐学院青年教师，我深知在继承优秀传统文化的基础之上不断发展的重要性，声乐演唱方法在时代的进步中不断改进和完善，就要求要不断有新作品的出现来满足听众的需求和演唱者的追求。作为演唱者，我也一直在摸索中前行，创编声乐作品、地方民歌和古诗词作品，在创作过程中收获了不少的对于声乐艺术新的认知。
随着经济的发展，市场化将会对声乐艺术有着强大的冲击力，艺术性不再成为声乐艺术的主要标准，因此在这个发展过程中，如何守住艺术本身的标准，如何将中国传统文化精神赋予新时代声乐作品中并让大家接受和喜爱，是我们需要面临和思考的一个问题。通过对不同风格声乐作品的挖掘、整理、创作和编配等一系列环节，我更加深入地走进歌曲当中，对于作品决定唱法这一学术观点有着更多的思考。
1. 以近期创作的新艺术歌曲《望江阁》为例
首先，我以为对艺术歌曲的定义要满足几个基本标准，歌词具有文学价值、旋律优美并能和歌词融为一体，带钢琴伴奏的独唱曲。那么对于“新”的定义，我个人认为是旋律要符合当代听众的审美情趣，能让其产生强烈的心灵共鸣。《望江阁》这首作品的创作就在基于以上几点原则，该作品一经演唱得到了业内外声乐从业者和爱好者的喜爱，并在浙江省文化厅音舞节上获得优秀作品奖。该作品创作灵感有很多来源于对传统音乐的感悟，并在音乐和钢琴伴奏上融合现代创作技法完成，演唱时不仅要“守旧”，更要“创新”。
唱好一首新作品之前，应该充分了解该作品的文化背景和艺术风格，只有做到了心中有曲，口中有数，才可把握好分寸，充分表现出作品的艺术性。 首先《望江阁》这首作品追求唯美的、空灵的意境美，它既有山川河流涵容万物的旷世情怀，又有人间草木四季更迭的一世轮转。从情感上看，《望江阁》它是纯净的、向上的，它饱含着对至纯至真爱情的守望，又隐匿着恋人相爱难见的淡淡忧伤。从题目看，《望江阁》其实是望江“隔”的谐音，例如第一句“凡心落、琴弦拨”，来源于作者对仙侠小说《诛仙》张小凡、碧瑶之间凄美爱情故事的感悟，也是对诗词“一曲离思凡心落，青衣飘渺碧瑶吟”的化用。“情不知所起，而一往情深”，所以开篇就已定下了整首词的基调。接下来再看第二句“山间有酒对月酌”，这一句则是作者对李白“举杯邀明月，对影成三人”情感的转移和叠加。然而自古从来都是“举杯消愁愁更愁”，所以作者便心生感慨“一颗种子经过春的播种、夏的孕育，秋天就可以结果，而万里的河山，谁又能再来挥毫泼墨为此着色，陪我看这一世的繁华、一世的人生？”望着一江水，作者想起了最善写愁的是李煜，想起了他的那句千古名句“问君能有几多愁？恰似一江春水向东流。”作者的思念随着时空转移，仿佛在沧海桑田的变化中凝固了这一江水。一念起，望见春来江水开，一念灭，又望见冬至江水合。江水的一开一合，正好是一个春秋冬夏的循环往复，可让作者感到无助的是，如此循环往复的经年，依然见不到心中的挚爱，所以顺理成章就有了“四季轮回佳人何处为我歌、花开十里最怕离别人寂寞”的思念和哀伤，和心怀执念对“焚香煮茶流年爱字写承诺”的向往。因此在演唱这首作品时，既要像古诗词作品演唱一样，讲究声音规格和韵律，更要大胆借鉴和创新，唱出独立个性。通过对作品横向和纵向的不断研究和考量，才可将作品的情感内涵和韵味准确表达出来。例如第一句的“凡心落、琴弦拨”，“落”字和“拨”字都为动词，演唱时咬字和吐字要清晰并有极强的声音造型感，但同时两个字的音又有所不同，唱出来给人的感受是有微妙变化的。古诗词演唱所强调的“十三辙”在这里也有所体现，这样演唱字不会跑偏，音色也更丰富。另外依我个人所见，个别字可以结合气声来表现，抓住现在听众所喜欢的演唱方法基因，因为无论何种唱法必有相通之处，此作品很多地方不需要声音唱的亮、唱的满，反而更需要虚实相融，靠气息控制的弱声甚至是虚声有时更具感染力。在演唱时要大胆尝试，用一切可以表现的手段来丰富你的声音表现力，将作品的情感内涵和文化背景表达的恰到好处。
2. 以编配的古诗词作品《关雎》为例
《关雎》是我国最早的诗歌集《诗经》中的第一篇，首先对作品的定位要在“古代”、“情歌”、“中国”。该作品由张乃诚曲，由我编配钢琴伴奏，在编配过程中我会反复聆听姜嘉锵先生的演唱，并对照简谱反复研究，因为古诗词作品在钢琴伴奏的编配上更加讲究音乐的结构和意境美。例如第一句“关关雎鸠，在河之洲”，演唱时除声音要有稳定的支点和头腔共鸣的保持以外，更重要的是语言的造型和声音色彩的融合，如“河”字为上声，因此演唱时要有特殊处理。该作品的演唱与《望江阁》就有着很大的区别，无论在作品的风格、情感基调、意境、文化涵义等各方面都有很大不同，因此演唱时的声音状态是截然不同的。再之要演唱这首《关雎》时还要借鉴戏曲中小生的一些动作和律动，使音乐表现蕴含着古代的特殊韵味，收放、沉浮、错落有序，平曲相间、情趣横生，使歌曲演唱有声有色。
值得一提的是古诗词作品的演唱最为注重每一个字的音节高低变化，而且在钢琴伴奏部分注重对旋律的衬托和整首作品结构的把握，但即使这样，还是需要演唱时不断推敲，只有在充分了解作品的真正文化背景，体会到古人的心境和含蓄之后，才可在表现时融入自己的情感，来使作品不断升华，让现代人通过你的演唱既有穿越千年之感，又有“懂得”后的情感和精神共鸣。
一个民族有自己的审美追求，中国歌曲应是表达本民族特有文化和情感的载体，近些年，民族声乐借鉴了西洋很多科學发声技法，使之演唱更具规范性和科学性，在追求民族声乐艺术科学性的基础之上，更应该把中华民族的艺术特点、对美的追求体现出来，用科学的发声方法来表现我们自己的文化特征。作品决定了唱法，通过不断创作的优秀新作品来推动和丰富民族声乐艺术随时代一直前行，在民族声乐艺术的追求中做一个真、善、美的歌者，我想这也是民族声乐艺术科学性下的最高艺术追求。
参考文献：
[1]姜嘉锵歌唱艺术.中国唱片（深圳）有限公司，2017.
[2]解本康. 解本康创作声乐作品集[M].安徽文艺出版社，2017.
[3]当代中国民族声乐文化学导论[M].中国时代经济出版社，2013.11.