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摘要 声乐表演需要灵魂和精神。一个歌唱家的责任是要能把名作的思想、意义表现在听众眼前。表演者不但要有天赋、技术与修养，还需要有丰富的想象力，使自己的思想在听众中传播。歌者必须彻底了解、处理好乐曲；歌曲的乐句、色度、力度、节奏感、速度、音符的价值及乐句、呼吸等，都需要歌者仔细研究。只有完善的准备，才能引导我们的歌曲表情走上正当的路途；只有把幻想与表演者的灵感密切融合，将歌曲表情诠释得淋漓尽致，歌者才能成功。
关键词：乐句 色度 节奏感 音符价值 想象力
中图分类号：J639 文献标识码：A
一位成功的歌者不仅需要有天赋、技术与修养，还需要有丰富的想象力，为了使作品复活，使自己的思想在听众中传播，这就需要歌者在歌唱中要有一定的表情作为基础。表情是需要一大股力量来推动的，它是歌者与听众间的交流物，即吸引力，是唱歌成败的关键。声乐表演不能是机械的，必须要有灵魂与精神。一个歌唱家的责任就是把作曲家的思想与意义表现在听众眼前。有了幻想才能把作品表达得完美，幻想应与表演者的灵感密切融合，除了这些条件外，歌者还必须彻底了解与处理好乐曲。在了解与处理乐曲的过程中，不容我们忽视每一个小节，因为这些都足以影响全局的。歌曲的乐句、色度、力度、节奏感、速度、音符的价值及乐句、呼吸等都需要歌者仔细的研究。只有把歌曲的表情分析透彻了，才能诠释出优秀的作品，吸引观众。
一 节奏感与歌曲的速度
在表情中，节奏的感觉是极为重要的，它好像人体中的骨骼。节奏不清楚，一切都谈不上，因为节奏在一首作品中就等于生命，而这生命必须具有活力与希望。
节奏是歌者与广大听众发生的最早交流。无论是知音或不是知音，当歌者一开始，听众内心即产生一种附和的感觉，这种感觉是先由节奏引起的，而逐渐扩大到乐句、旋律及和声等。如果歌者在节奏上出现错误，听众很快就会察觉到。在歌曲进行时，听众会下意识地以手、脚、头、身的摇动来附和歌者的节奏，所以歌曲或文字是否中断，节奏都必须向前进行，不能中断。
节奏非击拍。节奏与音乐修养有着密切的关系，我们可以把拍子上下打得很准，但是在节奏上未必能打好。如果一位歌者的拍子打的很准，那不过是呆板式、机械化的节奏，是毫无生气的。所以，好的节奏不会只守护着一个音符的特质，还要将每节音符的生命表现出来。节奏不是单指一节四拍中的第强弱次。其实每节音符里面都有强音，这是不可疏忽的，节奏上把握不准是会影响到整个乐曲的。节奏与乐句是一样的，必须连绵不绝，不能因为呼吸，或是伴奏与追求其他效果而损坏音乐上的基本问题。
速度是指乐曲、乐段、乐句进行的快慢。一个音乐家最大的责任就是用他的能力、学术、经验及修养去表现出准确的速度。从歌者所选择的速度，就可以洞察出他对该作品的理解力。格里格（Grieg）说过“如果一位指挥家把速度弄错了，那就什么都完了。”由此可见：只有适当的速度，才可以恰当的表达出乐曲的表情。速度必须稳定，快不可急，慢则忌拖。进行时必须有规律，流畅而富有活力，不可机械。速度犹如脉搏，忽快忽慢是不正常的，是有病症的征兆。无论标记的速度有多快，我们首先要顾及全声音上的能力；而且文字能否清晰，也是十分重要的问题；能否保持作品活力，也是值得我们重视的。在快时我们要顾及到作品中旋律的发展，在慢时我们要留心防止旋律的散漫。我们在改变速度时，大多数是在追随乐曲意义的发展，是沉着的，不是取巧的。我们必须深刻地去研究作家的个性以及作曲背景和歌曲本身包含的特别含意。
速度是随着转调及音乐感而更改的。譬如在传统上，我们发现当一个调性转至另一个调性时，速度常常会有所改变，最明显的是由大调转至小调，或由小调转至大调。凡是有曲体改变或者是和声有重大改变时，节奏的形式也会有变动，在情绪紧张或高潮处或是歌剧结束时，变动必须要自然、流畅，这才不致于对曲体的进行有所妨碍。节奏的扩大展开，可使艺术内容更加丰富。
二 乐句与乐句的呼吸
歌曲中的每一乐段都是由许多乐句组合而成的，每个乐句又都是由几个音或几个小音组成的。乐句犹如美丽的曲线，曲度有大小、长短、隐显及角度等区别，要使其自然、均衡、连贯性地进行，这才是乐句的艺术。乐句又似波纹，应有连绵不断、此起彼伏的状态，又有弱波至强波的转变及中途遇石受阻般的反击和有大浪拥着小浪般的推进。如此一起一伏，变化无穷。缺乏意识的乐句却会成为停滞的死水，毫无生命力。另外，一首歌如果只有优美的乐句，没有一位有技术修养高的歌者来演唱，会出现其发音不能连贯，中途又常停顿等，这都会损害美丽的乐句。此外，呼吸若不能控制得宜，词句不能了解深刻，乐句也会受到损伤。一个歌者的“自觉感”又往往会成为美丽音色的大威胁。因为过分的“自觉感”是会束缚歌者的，音色就不易产生变化，因而也很难到达理想的境地。而除去“自觉感”的唯一方法，就是忘了自己，专心于所唱的歌曲，将自己融于歌曲中。
艺术的乐句是流畅的、圆滑的、连绵的，也就是我们常说的legato,决不能因为呼吸就把节奏拖慢，这也会导致乐句受伤害。一句艺术性的乐句，必须有美的形式，每个音都要有准确的表情，然后与文字互相融合，连贯一致，从而达到出神入化的境界。这就是艺术的乐句，乐句的艺术了。
通过笔者归纳，得出以下结论：
1 每一个音符与每组的音符必须有意地表达出作者的原意来。每一位优秀的作家，写出的每一个音符都应有其含意，所以我们要研究每一个音符的意义所在。乐句仿佛波浪、曲线，富有自然的音乐美。在处理每一音符、音组或每一乐句时，对每一句的形式、每一音的用意都需要仔细研究。
2 乐句进行中，不但对乐句须保持均衡，还须与文字紧密相连，并且与伴奏要有很好的配合，三者成为一个整体。在处理乐句或每一个音符时，我们须把这一音符与其他的乐句或其他的音相联系，观察它们之间的关系。先统筹把握，再局部深入挖掘。
3 乐句保持流畅与圆滑，不能因节奏有意无意的改变而损害乐句的进行。在任何乐句中，不能因呼吸困难而牺牲音乐的特性，更不能稍有停滞而破坏乐句。
在艺术上，有一种“间断”却不能呼吸，比如有许多短乐句或重复乐句的地方，在某种情形下，虽然有文字上的标点，却也不宜换气，那是为了使乐句连续向前，所以只作“间断”而不吸气，这就是所谓的声断气不断。在乐句进行中，我们应极力避免无谓的呼吸，以避免影响乐句的连贯。但在某些地方，为了表情的特殊需要，呼吸就会成为必要，不过这种情况出现的不多。
总之，呼吸应以少使用为佳，使用时必须在适当的地方，不能妨碍文字上的流畅与乐句的进行。在欧美各国中，法国歌曲的乐句有着特殊的美丽及艺术性，这是因为法文往往在一句将结束时与次句的母音相应，从而形成连绵不断的效果。除了需要有特殊的戏剧表情外，呼吸不宜有声，更不能造成乐句中断，破坏整体的风貌。休止符处也不是非呼吸不可的，切不可随便处理。有时为了增加情感上的表达，可采用不吸气间断。
三 音色的力度与色度
音色是指本身音质的控制。对每一个音、每一组音或每一个乐句的强弱控制就是力度。力度的处理大抵限于声音强弱的表现。歌者需要具有微妙的感觉，对音色的力度有最细腻的分析和表现，如逐渐增强，逐渐减弱，或强弱中细微的差别等。有了感觉后能以最完美的技术，把这个感觉细腻而非机械地表达出来，这是演唱家面临的一个难题。有些歌者没有这些天赋，就无法表达；或天赋是有了，技术却不够，依然是无能为力。通常表演者在力度上尚能完善地做到极强或极弱，但由极强至极弱，或由极弱至极强的过渡乐段中，却往往很是粗略。如何能在极强处或极弱处保持艺术上的气质？这是表演者须思考的一个重要问题。例如一个常与乐队表演的演唱家，他虽然有极好的技巧，但是因为乐队的音量宏大，他会在不知不觉中把音量加大，长期如此便会失去对力度的控制，因而影响到他的音色，他的表演就会在不知不觉中走下坡路。这种表演家只考虑到强与弱，而失去了渐强减弱时的力度与音色，这种情况是需要我们特别小心和防范的。
音色是关于一个歌者在表演的时候，在某类歌曲或某种乐句、某个音符中应采取的不同形式来描摹的声音形态。音色要有实质的意义，因为音色可以代表个性。如果音色不加以适当的变化，音乐即发生单调感，也缺乏对照感，这就无法达到艺术的最佳境界。当然，每个歌者都有自己擅长的角色，有了好的声音技术以及对歌曲的了解，就能将每句、每段的音色按着不同的要求与人物的个性来表现。所以对音色的控制是否得宜是非常重要的。音色的控制并非专指美妙的音色。好的音色在弱声时是不能有泛音的，在强音时不应有重音。
音色中有代表爱、恨、喜、怒、希望、天真、快乐、忧伤、光明、黑暗、抑郁、开朗、激励、奋发、祈祷等不同的种类。音色也是个性的代表，比如宋祖英的音色，很多听众能辨认出来。她的音色独具一别，对歌曲独到的演绎更是无人可以模仿。
四 音符的价值
关于表情上的细节有很多，但往往越小的地方就越重要，也越容易被忽视。一个歌者常犯的毛病就是没有把作者所用的符号，照着应有的价值表达出来。我们必须重视这一点，因为一个作者的作品与思想是应该被尊重的，切不可随便更改。现在的歌唱家喜欢随意改动，这种强烈的个人意识是不正确的。
1 不容忽视的“附点”。许多歌者会把一个三拍的音符唱到两拍半或两拍就完了，这是不对的。每个音符都必须保持应有的价值。那种因疏忽而造成的错误，会使整个乐曲受到无形的损害，从而削减其美丽和光辉。作为一个忠诚的艺术家，必须尊重作者的原意，不可随意更改；有时可能因为改动半拍，便损坏了和声的组织，造成与伴奏脱节，呈现出不和谐的和弦。所以在保持音符价值时，还必须注意音符的附点，因为附点是最容易被疏忽的。附点是非常重要的，它能加强文字的语气，也能添加节奏的动力与乐句的活力。因此，我们必须特别留意。
2 休止符即音乐。一首歌曲不单要求乐句上的发展，更重要的是整体的连贯性。这证明歌者与伴奏是同样的重要，每一个音符都有其重要的意义，休止符也是如此。其他音符是以歌喉来唱，而休止符却以精神与心灵来唱，其中不可间断，这是成功的秘诀。声断气不断，气断情不断。在开始歌唱时，歌者要留意，你并非是在唱出第一个音符时才是开始，而是当伴奏弹出第一个音符时就开始了。结束时也是要待伴奏者弹出最后一个音或脱离踏板后的几秒钟才为结束。所以有经验的歌者，往往在伴奏未开始前的几秒钟已经集中精神，凝聚思想，开始发挥自己那具有磁性的声音，使听众感受到才开始歌唱。在唱完后，仍需用心神去紧随伴奏作内心的歌唱，直到伴奏完毕后的几秒钟，精神才放松下来。在这空白的几秒钟，歌谱上虽然没有唱的部分，上面都是休止符，但休止符也是音乐，这比唱更难处理，同时也是成败的关键。
3 倚音的拿捏
在五线谱上经常有一些八分音符的小音符，符干上还带着一条小斜线，这个小音符就叫“倚音”。倚音有时倚附在主音的前面，有时也在主音的后面出现。由于它是依附在主音前后的音，因此叫作“倚音”。倚音所占的时间是从本音中抽出来的，因为不能增加原有拍子的时间，所以唱的时候要快。如果倚音在强拍上就稍微唱强点，一般情况都唱的比较轻而且一带而过。作为装饰音的倚音只是起着加花装饰的作用，如果重心放在了倚音上就会主次颠倒，因此不要让倚音喧宾夺主。倚音也是民族润腔中一个重要的特色，缺之不可，拿捏的恰当就会让歌曲锦上添花。因此，一个细节不注意就可能破坏整首歌曲，一个字没研究好就可能让歌曲变味，一个符号没理解透彻就可能破坏歌曲的意境。
参考文献：
[1] 赵梅伯：《歌唱的艺术》，上海音乐出版社，2000年版。
[2] [意]马腊费迪奥，郎毓秀译：《卡罗索的发声方法：嗓音的科学培育》，人民音乐出版社，2000年版。
[3] 徐讲真：《歌唱艺术讲座》，人民音乐出版社，2002年版。
作者简介：尹庆，女，1988—，湖南靖州苗族侗族自治县人，四川大学艺术学院2010级音乐学专业在读研究生，研究方向：声乐表演与教学。
关键词：乐句 色度 节奏感 音符价值 想象力
中图分类号：J639 文献标识码：A
一位成功的歌者不仅需要有天赋、技术与修养，还需要有丰富的想象力，为了使作品复活，使自己的思想在听众中传播，这就需要歌者在歌唱中要有一定的表情作为基础。表情是需要一大股力量来推动的，它是歌者与听众间的交流物，即吸引力，是唱歌成败的关键。声乐表演不能是机械的，必须要有灵魂与精神。一个歌唱家的责任就是把作曲家的思想与意义表现在听众眼前。有了幻想才能把作品表达得完美，幻想应与表演者的灵感密切融合，除了这些条件外，歌者还必须彻底了解与处理好乐曲。在了解与处理乐曲的过程中，不容我们忽视每一个小节，因为这些都足以影响全局的。歌曲的乐句、色度、力度、节奏感、速度、音符的价值及乐句、呼吸等都需要歌者仔细的研究。只有把歌曲的表情分析透彻了，才能诠释出优秀的作品，吸引观众。
一 节奏感与歌曲的速度
在表情中，节奏的感觉是极为重要的，它好像人体中的骨骼。节奏不清楚，一切都谈不上，因为节奏在一首作品中就等于生命，而这生命必须具有活力与希望。
节奏是歌者与广大听众发生的最早交流。无论是知音或不是知音，当歌者一开始，听众内心即产生一种附和的感觉，这种感觉是先由节奏引起的，而逐渐扩大到乐句、旋律及和声等。如果歌者在节奏上出现错误，听众很快就会察觉到。在歌曲进行时，听众会下意识地以手、脚、头、身的摇动来附和歌者的节奏，所以歌曲或文字是否中断，节奏都必须向前进行，不能中断。
节奏非击拍。节奏与音乐修养有着密切的关系，我们可以把拍子上下打得很准，但是在节奏上未必能打好。如果一位歌者的拍子打的很准，那不过是呆板式、机械化的节奏，是毫无生气的。所以，好的节奏不会只守护着一个音符的特质，还要将每节音符的生命表现出来。节奏不是单指一节四拍中的第强弱次。其实每节音符里面都有强音，这是不可疏忽的，节奏上把握不准是会影响到整个乐曲的。节奏与乐句是一样的，必须连绵不绝，不能因为呼吸，或是伴奏与追求其他效果而损坏音乐上的基本问题。
速度是指乐曲、乐段、乐句进行的快慢。一个音乐家最大的责任就是用他的能力、学术、经验及修养去表现出准确的速度。从歌者所选择的速度，就可以洞察出他对该作品的理解力。格里格（Grieg）说过“如果一位指挥家把速度弄错了，那就什么都完了。”由此可见：只有适当的速度，才可以恰当的表达出乐曲的表情。速度必须稳定，快不可急，慢则忌拖。进行时必须有规律，流畅而富有活力，不可机械。速度犹如脉搏，忽快忽慢是不正常的，是有病症的征兆。无论标记的速度有多快，我们首先要顾及全声音上的能力；而且文字能否清晰，也是十分重要的问题；能否保持作品活力，也是值得我们重视的。在快时我们要顾及到作品中旋律的发展，在慢时我们要留心防止旋律的散漫。我们在改变速度时，大多数是在追随乐曲意义的发展，是沉着的，不是取巧的。我们必须深刻地去研究作家的个性以及作曲背景和歌曲本身包含的特别含意。
速度是随着转调及音乐感而更改的。譬如在传统上，我们发现当一个调性转至另一个调性时，速度常常会有所改变，最明显的是由大调转至小调，或由小调转至大调。凡是有曲体改变或者是和声有重大改变时，节奏的形式也会有变动，在情绪紧张或高潮处或是歌剧结束时，变动必须要自然、流畅，这才不致于对曲体的进行有所妨碍。节奏的扩大展开，可使艺术内容更加丰富。
二 乐句与乐句的呼吸
歌曲中的每一乐段都是由许多乐句组合而成的，每个乐句又都是由几个音或几个小音组成的。乐句犹如美丽的曲线，曲度有大小、长短、隐显及角度等区别，要使其自然、均衡、连贯性地进行，这才是乐句的艺术。乐句又似波纹，应有连绵不断、此起彼伏的状态，又有弱波至强波的转变及中途遇石受阻般的反击和有大浪拥着小浪般的推进。如此一起一伏，变化无穷。缺乏意识的乐句却会成为停滞的死水，毫无生命力。另外，一首歌如果只有优美的乐句，没有一位有技术修养高的歌者来演唱，会出现其发音不能连贯，中途又常停顿等，这都会损害美丽的乐句。此外，呼吸若不能控制得宜，词句不能了解深刻，乐句也会受到损伤。一个歌者的“自觉感”又往往会成为美丽音色的大威胁。因为过分的“自觉感”是会束缚歌者的，音色就不易产生变化，因而也很难到达理想的境地。而除去“自觉感”的唯一方法，就是忘了自己，专心于所唱的歌曲，将自己融于歌曲中。
艺术的乐句是流畅的、圆滑的、连绵的，也就是我们常说的legato,决不能因为呼吸就把节奏拖慢，这也会导致乐句受伤害。一句艺术性的乐句，必须有美的形式，每个音都要有准确的表情，然后与文字互相融合，连贯一致，从而达到出神入化的境界。这就是艺术的乐句，乐句的艺术了。
通过笔者归纳，得出以下结论：
1 每一个音符与每组的音符必须有意地表达出作者的原意来。每一位优秀的作家，写出的每一个音符都应有其含意，所以我们要研究每一个音符的意义所在。乐句仿佛波浪、曲线，富有自然的音乐美。在处理每一音符、音组或每一乐句时，对每一句的形式、每一音的用意都需要仔细研究。
2 乐句进行中，不但对乐句须保持均衡，还须与文字紧密相连，并且与伴奏要有很好的配合，三者成为一个整体。在处理乐句或每一个音符时，我们须把这一音符与其他的乐句或其他的音相联系，观察它们之间的关系。先统筹把握，再局部深入挖掘。
3 乐句保持流畅与圆滑，不能因节奏有意无意的改变而损害乐句的进行。在任何乐句中，不能因呼吸困难而牺牲音乐的特性，更不能稍有停滞而破坏乐句。
在艺术上，有一种“间断”却不能呼吸，比如有许多短乐句或重复乐句的地方，在某种情形下，虽然有文字上的标点，却也不宜换气，那是为了使乐句连续向前，所以只作“间断”而不吸气，这就是所谓的声断气不断。在乐句进行中，我们应极力避免无谓的呼吸，以避免影响乐句的连贯。但在某些地方，为了表情的特殊需要，呼吸就会成为必要，不过这种情况出现的不多。
总之，呼吸应以少使用为佳，使用时必须在适当的地方，不能妨碍文字上的流畅与乐句的进行。在欧美各国中，法国歌曲的乐句有着特殊的美丽及艺术性，这是因为法文往往在一句将结束时与次句的母音相应，从而形成连绵不断的效果。除了需要有特殊的戏剧表情外，呼吸不宜有声，更不能造成乐句中断，破坏整体的风貌。休止符处也不是非呼吸不可的，切不可随便处理。有时为了增加情感上的表达，可采用不吸气间断。
三 音色的力度与色度
音色是指本身音质的控制。对每一个音、每一组音或每一个乐句的强弱控制就是力度。力度的处理大抵限于声音强弱的表现。歌者需要具有微妙的感觉，对音色的力度有最细腻的分析和表现，如逐渐增强，逐渐减弱，或强弱中细微的差别等。有了感觉后能以最完美的技术，把这个感觉细腻而非机械地表达出来，这是演唱家面临的一个难题。有些歌者没有这些天赋，就无法表达；或天赋是有了，技术却不够，依然是无能为力。通常表演者在力度上尚能完善地做到极强或极弱，但由极强至极弱，或由极弱至极强的过渡乐段中，却往往很是粗略。如何能在极强处或极弱处保持艺术上的气质？这是表演者须思考的一个重要问题。例如一个常与乐队表演的演唱家，他虽然有极好的技巧，但是因为乐队的音量宏大，他会在不知不觉中把音量加大，长期如此便会失去对力度的控制，因而影响到他的音色，他的表演就会在不知不觉中走下坡路。这种表演家只考虑到强与弱，而失去了渐强减弱时的力度与音色，这种情况是需要我们特别小心和防范的。
音色是关于一个歌者在表演的时候，在某类歌曲或某种乐句、某个音符中应采取的不同形式来描摹的声音形态。音色要有实质的意义，因为音色可以代表个性。如果音色不加以适当的变化，音乐即发生单调感，也缺乏对照感，这就无法达到艺术的最佳境界。当然，每个歌者都有自己擅长的角色，有了好的声音技术以及对歌曲的了解，就能将每句、每段的音色按着不同的要求与人物的个性来表现。所以对音色的控制是否得宜是非常重要的。音色的控制并非专指美妙的音色。好的音色在弱声时是不能有泛音的，在强音时不应有重音。
音色中有代表爱、恨、喜、怒、希望、天真、快乐、忧伤、光明、黑暗、抑郁、开朗、激励、奋发、祈祷等不同的种类。音色也是个性的代表，比如宋祖英的音色，很多听众能辨认出来。她的音色独具一别，对歌曲独到的演绎更是无人可以模仿。
四 音符的价值
关于表情上的细节有很多，但往往越小的地方就越重要，也越容易被忽视。一个歌者常犯的毛病就是没有把作者所用的符号，照着应有的价值表达出来。我们必须重视这一点，因为一个作者的作品与思想是应该被尊重的，切不可随便更改。现在的歌唱家喜欢随意改动，这种强烈的个人意识是不正确的。
1 不容忽视的“附点”。许多歌者会把一个三拍的音符唱到两拍半或两拍就完了，这是不对的。每个音符都必须保持应有的价值。那种因疏忽而造成的错误，会使整个乐曲受到无形的损害，从而削减其美丽和光辉。作为一个忠诚的艺术家，必须尊重作者的原意，不可随意更改；有时可能因为改动半拍，便损坏了和声的组织，造成与伴奏脱节，呈现出不和谐的和弦。所以在保持音符价值时，还必须注意音符的附点，因为附点是最容易被疏忽的。附点是非常重要的，它能加强文字的语气，也能添加节奏的动力与乐句的活力。因此，我们必须特别留意。
2 休止符即音乐。一首歌曲不单要求乐句上的发展，更重要的是整体的连贯性。这证明歌者与伴奏是同样的重要，每一个音符都有其重要的意义，休止符也是如此。其他音符是以歌喉来唱，而休止符却以精神与心灵来唱，其中不可间断，这是成功的秘诀。声断气不断，气断情不断。在开始歌唱时，歌者要留意，你并非是在唱出第一个音符时才是开始，而是当伴奏弹出第一个音符时就开始了。结束时也是要待伴奏者弹出最后一个音或脱离踏板后的几秒钟才为结束。所以有经验的歌者，往往在伴奏未开始前的几秒钟已经集中精神，凝聚思想，开始发挥自己那具有磁性的声音，使听众感受到才开始歌唱。在唱完后，仍需用心神去紧随伴奏作内心的歌唱，直到伴奏完毕后的几秒钟，精神才放松下来。在这空白的几秒钟，歌谱上虽然没有唱的部分，上面都是休止符，但休止符也是音乐，这比唱更难处理，同时也是成败的关键。
3 倚音的拿捏
在五线谱上经常有一些八分音符的小音符，符干上还带着一条小斜线，这个小音符就叫“倚音”。倚音有时倚附在主音的前面，有时也在主音的后面出现。由于它是依附在主音前后的音，因此叫作“倚音”。倚音所占的时间是从本音中抽出来的，因为不能增加原有拍子的时间，所以唱的时候要快。如果倚音在强拍上就稍微唱强点，一般情况都唱的比较轻而且一带而过。作为装饰音的倚音只是起着加花装饰的作用，如果重心放在了倚音上就会主次颠倒，因此不要让倚音喧宾夺主。倚音也是民族润腔中一个重要的特色，缺之不可，拿捏的恰当就会让歌曲锦上添花。因此，一个细节不注意就可能破坏整首歌曲，一个字没研究好就可能让歌曲变味，一个符号没理解透彻就可能破坏歌曲的意境。
参考文献：
[1] 赵梅伯：《歌唱的艺术》，上海音乐出版社，2000年版。
[2] [意]马腊费迪奥，郎毓秀译：《卡罗索的发声方法：嗓音的科学培育》，人民音乐出版社，2000年版。
[3] 徐讲真：《歌唱艺术讲座》，人民音乐出版社，2002年版。
作者简介：尹庆，女，1988—，湖南靖州苗族侗族自治县人，四川大学艺术学院2010级音乐学专业在读研究生，研究方向：声乐表演与教学。