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Q：《上海戏剧》 A：刘方祺
解密“解忧”
Q：《解忧杂货店》的原作最打动你的是什么？舞台剧中最想表达什么？
A：小说是围绕着“烦恼忧愁”展开的，东野圭吾先生描述了很多最最普通人生活中都会遇到的状况，比如说在梦想与现实间的彷徨、爱情与事业间的抉择，以及对财富与更好生活的追求。就像东野先生对我们中文版《解忧杂货店》话剧的题词——“我喜欢困惑的人，我喜欢烦恼的人”，对于生活困惑、不满足、憧憬与付诸努力，贴近生活的真实故事情感是最打动我的。所以我在这部剧中用的所有的改编方法和呈现方式，其实都希望观众在剧场里经历这2小时20分钟故事之后，能够对自己的生活更怀有憧憬。
Q：和影视相比，你觉得《解忧杂货店》是否更适合舞台去改编、演绎？
A： 这个故事最大的特点是它的时空交错性，时间不停地在2012年和日本的（20世纪）80年代之间切换。作为电影，它可能通过蒙太奇就可以轻易实现，但却因此限制了更多可能性。可在舞台上，反而会有非常多的时空语汇可以去表达，而这种语汇往往充满了想象力和写意的美感，在现场让观众去体会这种美感而由此产生的奇妙感觉会比隔着电影银幕更具吸引力。比如说在舞台剧中，安排了三个小偷、倾诉者和浪矢爷爷这些不同时空主角同框的画面，而这样的画面更加深了不同时空交错的感觉，它是舞台剧所独有的。所以我觉得舞台的手段和语汇是更适合表现这个故事最精华的部分。
Q：舞台剧《解忧杂货店》追求怎样的风格，怎样去实现的？
A：在做导演构思的时候，我对《解忧杂货店》话剧版风格的定位是：我将要在舞台上呈现一个质朴又奇幻的童话！虽然表面看上去解憂和童话没什么直接关联，但是在我的体验中它是一个美好而且生动有趣的适合大人孩子一起观看的故事。首先是整个舞台的结构。时空交错是最核心的剧情结构，当时最早在看这本书的时候我的脑子里就有一个时空的转盘，而这个时空的转盘上面就有一个完整的解忧杂货店。这个杂货店是360°的，非常完整。在这个转盘旋转的过程中，时空就随之而流转。虽然转台是个很传统的舞台手段，但是最合适的。时空的流转与转台的流转，在“流转”这个词上有很强的契合感。我们希望呈现的是一种转台在流转的同时，时空也随之发生变化，由此产生这样一种语汇，很好地成为一个辅助叙事手段。
再说“质朴”，故事传达的是一种朴实的情感，这种朴实的情感其实是不需要靠太多过于华丽的手段及形式去呈现的。尽管我的团队擅长使用多媒体，但这部戏我放弃了使用明显的高科技手段，而是选择一些会更显质朴和传统的方法去呈现这个故事。所以大家会看到很多充满童趣的处理，比如传统的提线木偶、手影、小纸偶等等。
“奇幻”也是我想传达给观众的一种感觉。故事本身已经具有奇幻性了，但是我希望观众能够更直观地感受到。所以当时我给舞美设计提出的要求是，我们要让这个屋子本身就很神奇。所以大家会看到这个房子的每一个角落、每一个部件、每一个墙面都被利用了起来。有几个比较经典的手段，一个是发光的牛奶箱。牛奶箱是这部剧最重要的道具，因为它负责了将信传递到过去和未来的职责。在小说中文字是可以实现的，但怎样让观众在剧场里有这种神奇的感觉呢？我就让牛奶箱发生了一件在正常情况下不会发生的事情——让这个半透明的白色牛奶箱亮了起来，当它亮起的一瞬间，台下的观众发出了小小的惊叹。还有关于日本传统和式地面的设计，当三个小偷在辅导晴美怎么来规划自己人生的时候，他们从这个和式地面变出了房子、股票市场、手机、高尔夫球场等等，让场景的奇妙感和故事的奇妙感相叠加，让观众在走出剧场的时候，除了在感叹故事的奇幻以外，同样感叹这个杂货店也是一个非常奇幻的存在。
我们采用现场配乐的手段也是很好地为了完成“质朴”与“奇幻”这两个关键词。我们的音乐设计大草为了创作这部剧的音乐音效部分特别去了趟日本，购买了非常多日本传统的乐器。这些乐器的声音质感，会和我们整个故事的年代相契合，朴实的音乐也会帮助这个故事显得更加平易近人。
从小说到舞台
Q：你做了很多由小说到舞台的成功改编，怎么看改编这个课题？
A：我做的第一部小说舞台剧是2013年的《盗墓笔记》。在当时第一次尝试这种形式的时候是很有难度的，因为很多小说特别是长篇小说从表面上看是完全没有办法被舞台化的，无论是从时间、空间、人物关系上都不是很符合舞台“三一律”原则。但也是这种对于结果的“未知”驱动了我，让我想去尝试一些看上去没有那么适合舞台化的作品。我也希望能让观众带上好奇心，能够走进剧场来看一个看似不太适合被舞台呈现的小说会以什么样的方式落在剧场里。
Q：和影视相比，舞台剧的改编优势在哪里？难点在哪里？
A：当遇到人物众多、场景复杂、故事线多重，舞台剧的呈现就会有很大的难度。舞台的优势在于更自由，是虚和实结合的艺术。很多东西在舞台上呈现10%，剩下的90%都在观众的脑中与我配合完成，是一种讲故事的人和看故事的人共同的艺术创作。而影视是相对比较写实的风格，舞台的写意性反而会带给作品的改编风格更多的可能性，观众的接受度往往会更高一些，所以对于创作者来说，发挥空间更大。
Q怎样理解“原著精神”和“还原度”这两个概念？
A 我觉得原著精神是一个见仁见智的事情，这个原著传达了什么精神，是由观看者决定的。谈原著精神一般来说是已经进入了一个原著改编阶段才会去聊的问题。我觉得还原度包括原著精神还原度和原著内容还原度。有很多的作品对原著内容作了很大的改动，但是它依然保有原著中最核心最感动的部分。
还有一种做法是把原著中的情节做最大可能的保留，通过情节的保留来保证原著精神的完整度，以求更高的还原度，而这种可能是我在改编众多的作品中一直在使用的方法，即以高情节还原度来完成原著精神的还原度。不管是《盗墓笔记》，还是《三体》，再到现在的《解忧杂货店》，都尽可能保留了原著的情节。当原著的情节更完整地被传达的时候，观众也会觉得还原度很高，从而达到原著精神更好地被呈现出来。 （整理/露仪）
解密“解忧”
Q：《解忧杂货店》的原作最打动你的是什么？舞台剧中最想表达什么？
A：小说是围绕着“烦恼忧愁”展开的，东野圭吾先生描述了很多最最普通人生活中都会遇到的状况，比如说在梦想与现实间的彷徨、爱情与事业间的抉择，以及对财富与更好生活的追求。就像东野先生对我们中文版《解忧杂货店》话剧的题词——“我喜欢困惑的人，我喜欢烦恼的人”，对于生活困惑、不满足、憧憬与付诸努力，贴近生活的真实故事情感是最打动我的。所以我在这部剧中用的所有的改编方法和呈现方式，其实都希望观众在剧场里经历这2小时20分钟故事之后，能够对自己的生活更怀有憧憬。
Q：和影视相比，你觉得《解忧杂货店》是否更适合舞台去改编、演绎？
A： 这个故事最大的特点是它的时空交错性，时间不停地在2012年和日本的（20世纪）80年代之间切换。作为电影，它可能通过蒙太奇就可以轻易实现，但却因此限制了更多可能性。可在舞台上，反而会有非常多的时空语汇可以去表达，而这种语汇往往充满了想象力和写意的美感，在现场让观众去体会这种美感而由此产生的奇妙感觉会比隔着电影银幕更具吸引力。比如说在舞台剧中，安排了三个小偷、倾诉者和浪矢爷爷这些不同时空主角同框的画面，而这样的画面更加深了不同时空交错的感觉，它是舞台剧所独有的。所以我觉得舞台的手段和语汇是更适合表现这个故事最精华的部分。
Q：舞台剧《解忧杂货店》追求怎样的风格，怎样去实现的？
A：在做导演构思的时候，我对《解忧杂货店》话剧版风格的定位是：我将要在舞台上呈现一个质朴又奇幻的童话！虽然表面看上去解憂和童话没什么直接关联，但是在我的体验中它是一个美好而且生动有趣的适合大人孩子一起观看的故事。首先是整个舞台的结构。时空交错是最核心的剧情结构，当时最早在看这本书的时候我的脑子里就有一个时空的转盘，而这个时空的转盘上面就有一个完整的解忧杂货店。这个杂货店是360°的，非常完整。在这个转盘旋转的过程中，时空就随之而流转。虽然转台是个很传统的舞台手段，但是最合适的。时空的流转与转台的流转，在“流转”这个词上有很强的契合感。我们希望呈现的是一种转台在流转的同时，时空也随之发生变化，由此产生这样一种语汇，很好地成为一个辅助叙事手段。
再说“质朴”，故事传达的是一种朴实的情感，这种朴实的情感其实是不需要靠太多过于华丽的手段及形式去呈现的。尽管我的团队擅长使用多媒体，但这部戏我放弃了使用明显的高科技手段，而是选择一些会更显质朴和传统的方法去呈现这个故事。所以大家会看到很多充满童趣的处理，比如传统的提线木偶、手影、小纸偶等等。
“奇幻”也是我想传达给观众的一种感觉。故事本身已经具有奇幻性了，但是我希望观众能够更直观地感受到。所以当时我给舞美设计提出的要求是，我们要让这个屋子本身就很神奇。所以大家会看到这个房子的每一个角落、每一个部件、每一个墙面都被利用了起来。有几个比较经典的手段，一个是发光的牛奶箱。牛奶箱是这部剧最重要的道具，因为它负责了将信传递到过去和未来的职责。在小说中文字是可以实现的，但怎样让观众在剧场里有这种神奇的感觉呢？我就让牛奶箱发生了一件在正常情况下不会发生的事情——让这个半透明的白色牛奶箱亮了起来，当它亮起的一瞬间，台下的观众发出了小小的惊叹。还有关于日本传统和式地面的设计，当三个小偷在辅导晴美怎么来规划自己人生的时候，他们从这个和式地面变出了房子、股票市场、手机、高尔夫球场等等，让场景的奇妙感和故事的奇妙感相叠加，让观众在走出剧场的时候，除了在感叹故事的奇幻以外，同样感叹这个杂货店也是一个非常奇幻的存在。
我们采用现场配乐的手段也是很好地为了完成“质朴”与“奇幻”这两个关键词。我们的音乐设计大草为了创作这部剧的音乐音效部分特别去了趟日本，购买了非常多日本传统的乐器。这些乐器的声音质感，会和我们整个故事的年代相契合，朴实的音乐也会帮助这个故事显得更加平易近人。
从小说到舞台
Q：你做了很多由小说到舞台的成功改编，怎么看改编这个课题？
A：我做的第一部小说舞台剧是2013年的《盗墓笔记》。在当时第一次尝试这种形式的时候是很有难度的，因为很多小说特别是长篇小说从表面上看是完全没有办法被舞台化的，无论是从时间、空间、人物关系上都不是很符合舞台“三一律”原则。但也是这种对于结果的“未知”驱动了我，让我想去尝试一些看上去没有那么适合舞台化的作品。我也希望能让观众带上好奇心，能够走进剧场来看一个看似不太适合被舞台呈现的小说会以什么样的方式落在剧场里。
Q：和影视相比，舞台剧的改编优势在哪里？难点在哪里？
A：当遇到人物众多、场景复杂、故事线多重，舞台剧的呈现就会有很大的难度。舞台的优势在于更自由，是虚和实结合的艺术。很多东西在舞台上呈现10%，剩下的90%都在观众的脑中与我配合完成，是一种讲故事的人和看故事的人共同的艺术创作。而影视是相对比较写实的风格，舞台的写意性反而会带给作品的改编风格更多的可能性，观众的接受度往往会更高一些，所以对于创作者来说，发挥空间更大。
Q怎样理解“原著精神”和“还原度”这两个概念？
A 我觉得原著精神是一个见仁见智的事情，这个原著传达了什么精神，是由观看者决定的。谈原著精神一般来说是已经进入了一个原著改编阶段才会去聊的问题。我觉得还原度包括原著精神还原度和原著内容还原度。有很多的作品对原著内容作了很大的改动，但是它依然保有原著中最核心最感动的部分。
还有一种做法是把原著中的情节做最大可能的保留，通过情节的保留来保证原著精神的完整度，以求更高的还原度，而这种可能是我在改编众多的作品中一直在使用的方法，即以高情节还原度来完成原著精神的还原度。不管是《盗墓笔记》，还是《三体》，再到现在的《解忧杂货店》，都尽可能保留了原著的情节。当原著的情节更完整地被传达的时候，观众也会觉得还原度很高，从而达到原著精神更好地被呈现出来。 （整理/露仪）